UN MACBETH

Haurire Teatro es un colectivo de creadores emergente basado en Madrid. Surge en 2019 como un laboratorio de entrenamiento e investigación escénica fuera de los circuitos de escuela y tiene como objetivo la investigación sobre nuevos formatos escénicos y el trabajo con audiencias.

Nuestra metodología de trabajo parte del Devising Theatre y los Viewpoints y amplía la visión del actor/creador: trabajamos con técnicos, arquitectos, artistas plásticos... Creamos códigos comunes para componer colectivamente en escena.

La Metodología

Hacemos Devising Theatre porque nos funciona. En Haurire creemos que todos los miembros del equipo son creadores y artesanos. Ponemos los planos de significación de la escena al mismo nivel y trabajamos de manera horizontal y colaborativa para llegar a una narrativa común, a partir de nuestras experiencias y conocimientos individuales.

Para este proceso, que tiene como punto de partida el texto original de Shakespeare, comenzamos con un análisis -activo y de mesa- de las versiones española e inglesa de ‘Macbeth' e iteramos sobre dos fases: investigación y ensamblaje, que se repiten de forma cíclica a lo largo del proceso. Estos ciclos nos permiten relacionarnos con el material escénico ya generado y reflexionar sobre él. Pensamos sobre la escena desde la escena.

Nuestro trabajo como compañía y durante este proceso concreto se basa ampliamente en los entrenamientos psicofísicos y la técnica 'viewpoints' de la SITI Company, dirigida por Anne Bogart; así como en el concepto de ‘espectactor’ de Boal y el ‘espectador emancipado’ de Rancière, la tesis de Philip Auslander, las

recopilaciones -espectaculares y teóricas- de Matthew Reason y Anja Molle Lindoff en torno al ‘liveness’ y las pedagogías de Messiez y Orazi.

Teatro Neo Isabelino

“If liveness is the opposite of deadliness, then it is not the product of the performance alone. Nor does it simply rest in that ontology of simultaneity in time and space [...] it is the product of the particular encounter between spectator and performance”.

Matthew Reason y Anja Molle Lindoff - Experiencing Liveness

¿Qué tienen en común un concierto de Lady Gaga, un Madrid-Atlético, la Semana Santa, el Carnaval de Cádiz y el Teatro Isabelino? ¿Qué hace que un espectáculo “esté vivo”?.
Las tentativas inmersiva e interactiva y las investigaciones en torno a nuevos formatos escénicos que han proliferado durante los últimos años van en la línea de reconstruir un diálogo vivencial con el público que se había dado por muerto en el teatro.

Nuestra propuesta de “liveness” parte de un estudio fenomenológico del Teatro Isabelino y el texto original. Se basa, a su vez, en entender al público, al mismo tiempo, como un plano de significación de la escena junto con el texto, el cuerpo o el audiovisual y como un activo en la construcción de la acción escénica.

Su cuerpo, el espacio entre ellos y su manera de afectarse forman parte de la creación del hecho escénico. No buscamos una “experiencia”, si no establecer un diálogo en lenguaje escénico : la construcción de un evento tematizado e inseparable de sus coordenadas espacio-temporales, entre un espectador emancipado y un actor-creador consciente de lo cardinal de la mirada del otro.